- Mi parli del suo lavoro
- Non è facile parlare del proprio lavoro, non so bene cosa mi spinge a fare quello che faccio. Purtroppo del portato dei miei quadri non so nulla, posso però, come spunto per il nostro confronto, con lo scopo anche di ben organizzare la mostra, parlarle dei sommovimenti del mio animo e delle sensazioni che mi abitano durante e dopo la fine dell'opera.
L'immagine arriva dal fondo, da un di dentro difficilmente leggibile e si presenta più spesso come un'ossessione o addirittura come un limite invalicabile del quale vorrei a volte addirittura liberarmi per non dovermi più riconoscere in quello che faccio. A volte è un errore e devo trovare il modo. È una lotta tra ciò che desidero e ciò che si impone. La materia ha le sue leggi, sovente per me in dicotomia con l'immagine. Ecco perché vivo spesso il soggetto del mio quadro come un contenitore per la pittura. Credo di lasciare all'immagine una serie di fratture che non le permettono mai di essere unitaria, o almeno a me sembra così. Il diviso è una sensazione fisica che nella mia pittura di rado mi abbandona. E le mie ossessioni primarie, come può ben vedere, sono i volti e i corpi delle persone che non riesco mai ad inserire in un ambiente, in un contesto. Il mio amico pittore Tanzola, dice che sono bizantina e che le mie sono quasi delle icone. 
Io vedo un'immagine che non racconta più nulla, e la pelle della pittura e cioè la sua tecnica, il modo in cui viene realizzata diventa il carattere singolare, incarna in qualche modo tutto il
significato. E' un'idea che cerca di diventare un corpo, una presenza fisica con la sua autonomia. Parlo di tecnica e lavoro quindi molto sulla tecnica che però seguo e che cambia durante tutto il processo. Lei non è in mio potere. Ed ho la sensazione ogni volta che inizio un dipinto di non sapere nulla di quello che accadrà e che sarò in grado di fare. La tecnica si traduce in qualcosa d'altro e per me la cifra misteriosa del dipinto è tutta qui. 
Lavoro molto su questi volti e su questi corpi, in maniera lenta, caricandoli un po’ alla volta di
tantissime pennellate. Tra uno strato e l'altro cambiano e si appesantiscono sempre di più. 
Emanuele Beluffi, un mio amico curatore, la definì tempo fa una sorta di "anatomia dell'anima dei volti". 
E queste facce, questi corpi di esseri umani, sono a volte costruiti prendendo pezzi da più soggetti, che scelgo senza un preciso criterio (perché sono volti familiari o perché sono a portata di mano, non sempre perché mi piacciono in maniera speciale) e che vengono il più delle volte caratterizzati da colori lividi e da qualche deformità. Questo mi è stato fatto notare, ed io non me n'ero accorta.
Vede quant'è davvero difficile capire che cosa stiamo facendo. Il pittore o forse l'artista (anche se non amo usare questa parola) è veramente un cieco.
Talvolta poi mi lascio andare a qualche composizione organica di piante, fiori o simili dall';aspetto un po’ metamorfico, finora mi hanno sempre dato un po’ di respiro. Una pausa dall'umano chestanca molto.


- Come si spiega il passaggio dall'illustrazione alla pittura? 
- Ho sempre provato una grande attrazione per il disegno figurativo, fin da bambina. Ho cominciato a 2 anni con penne e matite, soprattutto la penna, le matite avevano un segno troppo debole. 
Pensavo ad un modo per interagire nel mondo del lavoro coltivando questa grande passione. Così decisi di diventare un'illustratrice. Volevo imparare a disegnare le cose che vedevo e ad usare tutte le tecniche. Possedere la tecnica è sempre stato il mio grande obiettivo e lo è ancora. Non pensavo minimamente all'arte, nemmeno sapevo il significato di questa parola. Io volevo riuscire ad inserirmi nel mondo e l'illustrazione mi sembrava un buon compromesso.
L'ho fatto per molti anni ma avevo comunque delle difficoltà, la cifra dell'illustrazione ha in sé una ripetizione, una sorta di elemento decorativo che racconta qualcosa di molto preciso. Una sorta di didascalia dentro la quale non riuscivo a stare. Non per mia volontà, forse non c'ero tagliata! Io non ho niente da raccontare e tendevo sempre a ripartire da zero ogni volta.  Ero più portata per il singolo pezzo. Proprio ad una fiera di Illustrazione per l'infanzia incontrai il mio primo gallerista, che mi propose una collaborazione. Cominciò così, per caso. Un poco alla volta cominciai a capire cos'era la questione artistica. Per me significò cadere dentro me stessa nel bene e nel male. Avere a che fare con l'evento. Fu una grande rivoluzione. Tutto questo ancora oggi mi chiama e mi dice di andare avanti, ma non mi diverto più come quando facevo illustrazioni. Come illustratrice facevo quello che sapevo fare, come pittrice non so fare nulla. 


- Quale il suo rapporto con i pigmenti, con il materiale
- Il mio rapporto con i pigmenti, con le tele di lino, con i materiali che uso... molto semplicemente faccio acquisti nei negozi di belle arti. I supporti sono molto difficili da scegliere perché cerco unfondo aggrappante, liscio, dove la materia pittorica possa scorrere ma non troppo. Siccome dipingere è infine avere un'esperienza con la materia, il lavoro funziona se fisicamente risponde e questa risposta me la dà il supporto, il fondo. Sulla tela è molto difficile costruire, mi ci vuole molto lavoro e tanta pazienza, sulle tele e sul lino le cose cambiano in maniera imprevedibile, tutto resta mobile molto a lungo. Il legno e la carta invece sono molto più aggrappanti, danno una certa stabilità, pongono dei limiti. Cerco un fondo perfetto su cui potermi muovere, e che mi dia la risposta fisica che cerco, ma naturalmente non l'ho ancora trovato. 


- Dove dipinge? Quando? 
- Lavoro a casa, ho una piccola stanza con tutto ciò che mi serve per dipingere e disegnare... tavoli, cavalletti, pennelli, colori... e molti altri accessori. Dipingo e disegno (ho ripreso a disegnare molto) sempre, da mattina a sera quando posso, tra un lavoro e l'altro (perché per vivere devo fare anche altro), e spesso anche prima di andare a dormire. 


- Quali altri pittori frequenta? Quali le piacciono? 
- Ho alcuni amici pittori molto bravi (Padovani, L'Altrella, Bidoli, Robboni), ogni tanto capita di potersi incontrare per parlare di pittura, non spesso purtroppo. La mia migliore amica Barbara
Fragogna, un'artista dalle idee geniali, invece mi è spesso accanto. 
Ci sono veramente tanti pittori che mi piacciono, e davvero mi è difficile fare una lista ma a voler fare qualche nome mi vengono in mente Renzo Vespignani, Lucien Freud, Dagnan
Bouveret, Edwin Dickinson, Carlos Nine, Felice Casorati, Ferenc Pinter, Gerard Brockhurst,
Segantini, Giuseppe Pellizza Da Volpedo, Holbein, Ivan Albright, Jules Bastien Lepage, Kathe
Kollwitz, Lotte Laserstein, Norman Blamey, Olga Boznanska, Jules Bastien Lepage, Spenser, A. Wyeth... potrei continuare ancora per molto...
E anche per i miei contemporanei che lavorano nel presente la lista potrebbe essere molto lunga, mi basta una singolarità per essere felice. Gioisco molto guardando il lavoro degli altri.
Anche qui a voler fare qualche nome mi vengono in mente Nicola Samorì, Antonio Garcia Lopez, Pietro Roccasalva, Vania Comoretti, Pat Andrea, R. Mannelli, John Currin, Anj Smith... -
Greta Bisandola (Monselice 1976), diplomata in grafica inizia la sua carriera di illustratrice nel
1996, collaborando con agenzie pubblicitarie e case editrici. Avvicinandosi sempre più alla pittura, dal 2006 comincia ad esporre le sue opere in sedi nazionali ed internazionali tra le quali Kunsthaus Tacheles (Berlino), Palazzo Durini (Milano), Museo Civico (Bassano del Grappa), Museo Diocesano (Padova), Museo Civico (Asolo). 

 

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Copyrights sul materiale fotografico pubblicato su questo sito di Simonetta Caruso

Foto realizzate da Simonetta Caruso

“Manifesto of the Now” ideato da Nayana Keshava Bath
2024-07-02T19:00:00+02:00
2024-07-06T19:00:00+02:00
Via Aquila, 7 Capestrano

In mostra - da martedì 2 a domenica 7 luglio - un progetto ideato da Nayana Keshava Bath - artista
multidiscplinare e coreografa di origine indiana residente a Salisburgo e una performance dal vivo con
due date.


Solo pochi giorni per visitare la mostra di “Manifesto of the Now" - che tradotto in italiano è
“Il Manifesto del qui ed ora” - un progetto performativo ideato dall'artista multidisciplinare e coreografa di
origine indiana Nayana Keshava Bhat che vive a Salisburgo, in stretta collaborazione con altri otto artisti.
Il progetto si sviluppa con una serie di atti performativi di resistenza contro la percezione frammentata;
l'opera celebra il tutto che è più grande della somma delle sue parti, attraverso la danza, la musica e la
poesia. “Manifesto of the Now” è una presa di posizione artistica contro la pressione perpetua della
produttività, i comportamenti insensati e abituati, il materialismo, la velocità della vita – tutti motivi che
causano una disconnessione dal valore intrinseco delle cose, rendendo queste e le persone “non
abbastanza”, portandole quindi, a desiderare sempre "di più".


Dovremmo forse iniziare a porci le domande - "E se mentre inseguo un "mondo perfetto", cominciassi a
prendere atto del mondo in cui già vivo?" E se scelgo di vivere in questo mondo che già abito con la
massima consapevolezza e cura? E se cominciassi a notare l'interconnessione di tutto, per identificare il
potere che ho sul momento presente? In che modo ciò influenzerà il mondo in cui vivo?”
Il “Manifesto del Qui ed Ora” affida dunque all’individuo l’azione del cambiamento. È una rivolta contro le
proprie catene interiori di insensatezza e rappresenta l’assunzione di responsabilità.
L’intento è quello di esercitare l’attenzione a ciò che abbiamo; rallentare, fare scelte consapevoli, e offrire
così spazio alla manifestazione di ciò che già c'è all'interno di una pratica performativa, invitando a fare
altrettanto nella nostra vita quotidiana.


L'opera originale, composta da sette brevi assoli e cinque atti di gruppo, si svolge in quattro giorni e in
diversi spazi. Ogni performance è un atto di resistenza, in cui gli interpreti, i ballerini e i musicisti negoziano
tra la struttura coreografica data e lo stato imminente del corpo in relazione allo spazio e al tempo. Con
temi fisici e sensoriali distinti, gli artisti in ogni atto esaminano il “qui ed ora” da un punto di vista diverso.


Presso lo Spazio d’Arte Multidisciplinare de “la Dama di Capestrano” - che guarda sempre con molta
attenzione all’offerta del panorama artistico internazionale - verrà proposto un estratto di questo
particolare progetto.


Martedì 2 luglio alle ore 18 e visitabile fino a domenica 7.07 ci sarà l’inaugurazione
della mostra delle fotografie del progetto di Raphael Mittendorfer e la proiezione del film “Making of a
Manifesto”, realizzato dal regista rumeno Mircea Sorin Albutiu e montato dalla stessa Nayana Keshava
Bhat. Il documentario, realizzato nel 2022 nell'ambito della ricerca artistica per “Manifesto of the Now”,
documenta i processi creativi di tre improvvisatori, seguendo il filo di un'idea, di un impulso e dipanando
così un universo; essere autentico e trasparente.


In questo processo, gli artisti coinvolti riflettono sulla fragilità, sulla libertà e sui vincoli dell'improvvisazione.
A seguire - sempre martedì 2.07 - alle ore 19 - ci sarà un'esibizione dal vivo della ballerina Nayana Keshava
Bhat e del musicista Chris Dahlgren (viola da gamba), che eseguiranno un estratto dell'opera originale. In
questa performance, gli artisti presentano un manifesto performativo, invitando il pubblico a contemplare
e riflettere sulla natura dell'impermanenza. Attraverso la danza, la poesia e la musica improvvisata sugli
Haiku dei poeti giapponesi Basho e Santoka Taneda; i due artisti recuperano il tempo e lo spazio perduti in
una vita sempre più frenetica. 


Sabato 6.07 - sempre alle ore 19 - la replica della performance.


Drammaturgia: Peter Stamer - Prodotto da INFLUX – Network for Dance, Theatre & Performance
Coproduzione: SZENE Salizburg - Finanziato da Land Salizburg, Stadt Salizburg, Bildrecht


La mostra sarà visitabile da martedì 2 a sabato 6.07 dalle ore 17 alle 20 e domenica 7.07.24 dalle 11 alle
13 - ingresso libero - Via Aquila 7 Capestrano Aq - info 3476761404

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